Il National Film Preservation Board ha fatto le sue selezioni annuali per i film da aggiungere al National Film Registry.

Dal 1989 ogni anno vengono selezionati 25 film da aggiungere al registro "a causa della loro importanza culturale, storica ed estetica per il patrimonio cinematografico nazionale", e vengono mantenuti nella Biblioteca del Congresso, che è in poche parole la biblioteca nazionale degli Stati Uniti. 

Per essere ammessi al Registro, i film devono avere almeno 10 anni.

Come ogni anno, anche per il 2018 i titoli spaziano da film più popolari ad altri meno noti: tra i titoli più famosi quest'anno ci sono Shining, Jurassic Park, My Fair Lady, Rebecca - La Prima Moglie e I Segreti di Brokeback Mountain.  

Ecco l'elenco completo, accompagnato dalla spiegazione data dal National Film Preservation Board.

Something Good - Negro Kiss (1898)

Secondo studiosi e archivisti, questo film di 29 secondi recentemente scoperto potrebbe rappresentare il primo esempio di intimità afroamericana visibile sullo schermo.

Il cinema americano aveva pochi anni nel 1898 e i distributori faticavano per invogliare il pubblico a conoscere questo nuovo mezzo.

Tra le varie mosse per coinvolgere gli spettatori ci fu un breve periodo di "film baciati".

Il più famoso è il film Edison del 1896 "Il bacio", che ha generato parecchi imitatori, per lo più inferiori.

Tuttavia, in Something Good la chimica tra gli attori del vaudeville Saint Suttle e Gertie Brown era palpabile. Degno di nota è anche il fatto che questo film sia il più noto film della Selig Polyscope Company ad essere sopravvissuto.

La Selig Company ebbe una bella esperienza come studio cinematografico americano, dalla sua fondazione nel 1896 fino alla sua fine intorno al 1918.

Something Good esiste in una stampa di nitrati del XIX secolo della Hugh Hefner Moving Image Archive della University of Southern California.

L'archivista USC Dino Everett e il dott. Allyson Nadia Field dell'Università di Chicago hanno scoperto e portato questo importante film all'attenzione degli studiosi e del pubblico.

Note:

"Ciò che rende questo film così notevole è la rappresentazione non caricaturale e le prestazioni naturalistiche della coppia.

Mentre scherzano e si baciano ripetutamente, in una performance apparentemente improvvisata, Suttle e Brown costituiscono un significativo contraltare al ritratto razzista degli afroamericani, altrimenti visto nel cinema del suo tempo.

Questo film si presenta come un'immagine commovente e potente di affetto sincero, ed è un punto di riferimento della storia del cinema".

Dixon-Wanamaker Expedition to Crow Agency (1908)

Il filmato originale di nitrato che comprende la "Dixon-Wanamaker Expedition to Crow Agency" del 1908 è stato scoperto in un negozio di antiquariato del Montana nel 1982 e successivamente donato agli Human Studies Film Archives, Smithsonian Institution.

È l'unico filmato sopravvissuto conosciuto della spedizione sponsorizzata da Rodman Wanamaker del 1908 per registrare la vita degli indiani d'America nel West, filmato e prodotto sia per una proiezione educativa presso il grande magazzino Wanamaker di Filadelfia sia per documentare cosa Wanamaker e il fotografo Joseph K. Dixon consideravano una "corsa in via di estinzione".

Dixon e suo figlio Roland hanno girato film cinematografici e migliaia di fotografie (la maggior parte delle fotografie sono state archiviate presso l'Indiana University). 

Questo film cattura la vita su Crow Agency, Crow Fair e una ricostruzione della Battaglia di Little Big Horn con quattro scout di Custer.

I film delle spedizioni successive di Wanamaker sono archiviati presso gli Archivi nazionali e il Museo americano di storia naturale.

Il film originale è stato conservato fotochimicamente a Cinema Arts nel 1983.

The Girl Without a Soul (1917)

Il fondatore del George Eastman Museum, James Card, era un appassionato devoto del lavoro del regista muto John H. Collins.

È attraverso la sua influenza che il museo è il principale deposito dei pochi film esistenti del regista.

In quanto esperto dell'eredità di Collins, il museo ha affermato essere "Uno dei grandi "E se...?"del cinema americano".

Un cineasta brillantemente creativo che è passato da assistente di costumi a grande regista nell'arco di appena quattro anni, prima di morire a 31 anni nella pandemia influenzale del 1918.

I film di Collins mostrano sia una sottile comprensione della natura umana, sia una cinematografia e un montaggio spesso audacemente mozzafiato.

La "Ragazza senza un'anima" vede Viola Dana (con cui Collins era sposato) in un duplice ruolo di sorelle gemelle, una delle quali è una violinista dotata e l'altra, una ragazza profondamente turbata, è gelosa delle capacità di sua sorella e dell'amore dimostrato per lei dal loro padre violinista.

Questa gelosia e l'inconsapevolezza della sorella violinista portano entrambe in un conflitto morale turbolento, che richiede una grande forza da parte di tutte e due.

Il Navigatore (1924)

"The Navigator" ha riscosso all'epoca un enorme successo commerciale e ha posto Buster Keaton al livello di Harold Lloyd e Charlie Chaplin in termini di popolarità del pubblico e film acclamati dalla critica.

Decenni dopo l'uscita, Pauline Kael ha recensito il film:

"Probabilmente, il migliore di Buster Keaton - ma tra tutti i gioielli di Keaton si può essere sicuri?"

Keaton interpreta un milionario inetto e folle la cui idea di una proposta di matrimonio comporta l'attraversamento della strada in un'auto con autista, consegnando fiori alla sua ragazza e facendo partire la fatidica domanda.

Più tardi i due si ritrovano accidentalmente bloccati in mare su una barca abbandonata e Keaton dimostra il suo valore concependo ingegnosi meccanismi per assicurarsi la sopravvivenza.

L'era del film muto raramente vedeva film così pieni di creatività e di gag fantasiose.

Traditore (1935)

L'undicesimo film diretto da John Ford ad essere registrato al National Film Registry, un record tra i registi.

"The Informer" descrive con brutale realismo la vita di un informatore durante la ribellione irlandese del 1922.

Il critico André Sennwald, scrivendo sul New York Times, ha elogiato la regia di Ford:

"Nelle sue mani 'The Informer' diventa allo stesso tempo un sorprendente studio psicologico di un Giuda sconnesso e un'immagine grezza, impressionante, del mondo sotterraneo di Dublino durante il periodo del Black and Tan."

Ford e il cineasta Joseph August hanno preso in prestito molto dall'espressionismo tedesco per riuscire a trasmettere l'atmosfera di Dublino.

"The Informer" collocò John Ford al vertice dei registi americani.

Rebecca - La Prima Moglie (1940)

Rebecca, il libro più famoso di Daphne du Maurier, ha trovato il suo perfetto interprete cinematografico in Alfred Hitchcock, qui a dirigere il suo primo film americano.

Il potente produttore David O. Selznick aveva appena importato il "maestro della suspense" dalla sua nativa Inghilterra.

Laurence Olivier interpreta il ruolo di Maxim de Winter e Joan Fontaine interpreta sua moglie.

Tuttavia, sono le altre due donne a dominare il film - l'intimidatoria governante signora Danvers (interpretata da Judith Anderson) e la donna del titolo del film, la defunta prima signora de Winter la cui potente ombra pende ancora pesantemente su questa grande tenuta e su tutta la sua abitanti.

Vincitore dell'Oscar come miglior film quell'anno, Rebecca è un classico elegante e pieno di suspense.

Femmina Folle (1945)

Oscurità e claustrofobia contraddistinguono lo stile visivo di molti film noir: l'uso dei grigi in bianco e nero cupi, l'illuminazione low-key, i contrasti sorprendenti tra luce e buio, ombre, ambienti notturni o interni e strade intrise di pioggia.

Leave Her to Heaven è la proverbiale ma magnifica eccezione.

Girato in un vibrante Technicolor a tre strisce, molte scene chiave si verificano in luoghi all'aperto spettacolari, immortalate dal famoso direttore della fotografia Leon Shamroy in Arizona e in California.

Gene Tierneye interpreta Ellen, una classica femme fatale il cui carisma e volto strabiliante mascherano un'anima possessiva e sociopatica innescata dal "troppo amore".

Chiunque si trova tra lei e quelli che ama ossessivamente, tende ad andare incontro a morti "accidentali", il più famoso un ragazzo adolescente che annega in una scena agghiacciante.

Martin Scorsese ha definito il film come uno dei suoi preferiti di tutti i tempi e Tierney una delle attrici più sottovalutate.

La Signora di Shanghai (1947)

La messa in scena è la stella di questo elegante film noir.

"The Lady From Shanghai" è rinomato per le sue scenografie mozzafiato, la scena "Aquarium", il climax nella stanza degli specchi, la cinematografia barocca e la trama contorta.

Il regista Orson Welles era entrato in scena con Quarto Potere nel 1941 e L'Orgoglio degli Amberson nel 1942, ma era diventato sempre più difficile da gestire per gli studios.

Di conseguenza, Welles trascorse gran parte della sua carriera fuori dalla loro sfera di influenza.

La Signora di Shanghai fu uno dei suoi ultimi film in un grande studio (Columbia) con Welles e i dirigenti che spesso si scontrarono per il budget, il montaggio finale del film e la data di uscita. 

Un giorno a New York (1949)

Tre marinai con 24 ore di sosta a New York non sembrano molto per costruire un film, ma quando Gene Kelly, Frank Sinatra e Jules Munshin li ritraggono sotto la direzione scintillante di Stanley Donen (e dello stesso Kelly), ecco che succede la magia.

On the Town era basato sul musical di Comden e Green Broadway con lo stesso nome.

Girato in tutta la città di New York, il film ha canzoni splendide come la famosissima "New York, New York", la scena iconica che si avvicina all'inaugurazione con il trio di marinai che si esibisce con i loro completi da marina.

Le professioniste del canto e della danza Vera-Ellen, Betty Garrett e Ann Miller si uniscono ai ragazzi per fare un passo nei numerosi numeri musicali.

Un giorno a New York rappresenta i vivaci musical del dopoguerra dell'epoca, che ben riassumevano l'ottimismo nazionale del periodo.

Cenerentola (1950)

Solo la magia incantata di Walt Disney e della sua straordinaria squadra avrebbe potuto rivitalizzare una storia vecchia come Cenerentola.

E infatti, nel 1950, Disney e i suoi animatori hanno fatto proprio questo, con questa loro versione del racconto classico.

Canzoni scintillanti, alto valore nella produzione e brillanti performance vocali hanno reso questo film un classico fin dalla sua prima uscita.

Sebbene spesso raccontata e ripetuta su tutti i tipi di media, l'adorabile film della Disney è diventato la versione definitiva di questa classica storia su una ragazza, un principe e una scarpetta di vetro.

Animazioni mozzafiato riempiono ogni scena, compresa quella che - secondo quanto riferito - per Walt Disney era la preferita di tutte le sequenze animate del suo studio: la fata madrina che trasforma gli "stracci" di Cenerentola in un abito raffinato e le pantofole in un paio di scarpette di cristallo.

Mano Pericolosa (1953)

I film di Samuel Fuller sono a volte paragonati ai romanzi pulp di Mickey Spillane.

Con film spesso grossolani ma sempre provocatori, Fuller ha descritto il suo mantra del cinema:

"Il film è come un campo di battaglia, con amore, odio, azione, violenza, morte... in una parola: emozione."

Considerato da alcuni come l'archetipo del "Fuller movie" e un bel riassunto dei temi principali del suo lavoro, Pickup on South Street è un thriller teso, da periodo della Guerra Fredda.

La trama frenetica segue un borseggiatore professionista che accidentalmente preleva alcuni microfilm segreti.

Patriottismo o profitto?

Ben presto, il ladro viene perseguitato non solo dalla donna che ha derubato, ma anche dalle spie comuniste e dagli agenti del governo degli Stati Uniti.

Il film culmina in una brutale scena di combattimento ambientata in metropolitana.

È senza dubbio il classico film anticomunista degli anni '50 nonché una sfolgorante esibizione della squallida vita di New York.

In particolare, la straordinaria prestazione di Thelma Ritter, dal carattere tenace eppure sfumato, come Moe Williams, si è guadagnata una nomination all'Oscar come miglior attrice non protagonista, cosa davvero molto insolita per quello che all'epoca era considerato un B movie sporco e violento.

Giorno Maledetto (1955)

Sebbene sia lungo solo 81 minuti, Bad Day at Black Rock è un pugno nello stomaco.

Spencer Tracy interpreta Macreedy, un uomo con un braccio solo che arriva inaspettatamente un giorno nella sonnolenta città desertica di Black Rock. All'inizio è reticente sul motivo della sua visita, in risposta al fatto che gli abitanti non si sbottonano granché, tuttavia, quando Macreedy annuncia che sta cercando un ex residente di Black Rock giapponese-americano di nome Komoko, gli scheletri della città vengono improvvisamente allo scoperto.

Oltre a Tracy, il cast di spicco comprende Robert Ryan, Anne Francis, Lee Marvin, Ernest Borgnine e Dean Jagger.

Il regista John Sturges mostra il panorama degli Stati Uniti occidentali con grandi immagini in CinemaScope.

I due volti della vendetta (1961)

Basato sul romanzo di Charles Neider del 1956, "L'autentica morte di Hendry Jones" (una retorica della storia di Pat Garrett e Billy the Kid), questo western segna l'unico impegno registico di Marlon Brando.

One-Eyed Jacks mostra la sua solita ricerca di introspezione ma anche un'insolita eccentricità.

L'approccio al romanzo di Brando caratterizza il film come un'opera chiave nel periodo di transizione dalla classica Hollywood (dagli anni '30 agli anni '50) alla nuova era iniziata negli anni '60 e che continua fino ai giorni nostri.

Come ha detto il regista Martin Scorsese, questa evoluzione da "Old Hollywood" a "New Hollywood" ha comportato un cambiamento rispetto al cinema principalmente sul profitto, in un periodo in cui molti registi creavano film come espressione artistica personale. 

I giorni del vino e delle rose (1962)

Days of Wine and Roses è un altro classico di Hollywood sul tema delicato dell'alcolismo.

Sebbene la sua carriera prima di questo film fosse già stata caratterizzata da un tocco personale nelle commedie leggere, in questa performance nominata all'Oscar Jack Lemmon interpreta un forte bevitore, uomo di pubbliche relazioni di San Francisco, che trascina la moglie Lee Remick nell'orribile discesa nell'alcolismo.

Il regista Blake Edwards non fa sconti in questo film senza compromessi.

Henry Mancini ha composto la colonna sonora, ricordata per la canzone che riporta il titolo del film, scritta da lui e Johnny Mercer che vinse un Oscar per la migliore canzone originale nel 1963.

Hud il selvaggio (1963)

Paul Newman ha ricevuto la sua terza nomination all'Oscar per la sua interpretazione del personaggio del titolo: il bello, scontroso e spregiudicato figlio maschio di un allevatore texano che si trova in conflitto con suo padre per affari e questioni familiari.

Liberamente ispirato al romanzo d'esordio di Larry McMurtry, "Horseman, Pass By," il film ha ricevuto sette nomination all'Oscar, vincendone tre: Patricia Neal (miglior attrice), Melvyn Douglas (miglior attore non protagonista) e James Wong Howe (miglior fotografia in bianco e nero).

My Fair Lady (1964)

Negli anni '50 e '60, assediati da cambiamenti demografici e dal fatto che gran parte del pubblico fosse imbambolato dalla televisione, gli studi cinematografici sapevano che dovevano fare grandi show per attirare la gente al cinema.

Questa versione cinematografica del musical "My Fair Lady" ha incarnato questo approccio con l'uso di tecnologie widescreen.

Basato sul brillante musical teatrale (ispirato all'opera teatrale Pygmalion di George Bernard Shaw), My Fair Lady è arrivato sul grande schermo attraverso la gestione esperta del regista George Cukor.

I costumi di Cecil Beaton hanno fornito ulteriore brio, insieme alla sua arte, Gene Allen e George James Hopkins e alla regia.

Il film è interpretato da Rex Harrison, il professor Henry Higgins e Audrey Hepburn, la ragazzaccia Eliza Doolittle.

My Fair Lady è ancora oggi un incantevole intrattenimento. 

Monterey Pop (1968)

Questo film seminale di musica-festival cattura la cultura del tempo e le esibizioni dal talento musicale iconico.

Monterey Pop ha anche stabilito il modello per le produzioni di documentari multi-camera, precedendo sia "Woodstock" che "Gimme Shelter". Oltre al regista D. A. Pennebaker, Richard Leacock, Albert Maysles e altri hanno girato immagini superbe.

Gli interpreti includono Janis Joplin, Jimi Hendrix, Otis Redding, Hugh Masekela, The Who, Jefferson Airplane, Simon and Garfunkel e Ravi Shankar.

Come ha ricordato in un articolo del Washington Post nel 2006, Pennebaker decise di girare e registrare il film utilizzando cinque videocamere 16mm portatili dotate di dispositivi di registrazione audio sincronizzati, mentre i produttori Lou Adler e John Phillips (Mamas and Papas) hanno saggiamente girato l'intero concerto, per poi andare a migliorare ulteriormente il suono assumendo Wally Heider e il suo studio di registrazione mobile all'avanguardia.

Hearts and Minds (1974)

Il regista Peter Davis descrive così il suo documentario premio Oscar 1975

"Un tentativo di esaminare perché siamo andati in Vietnam, cosa abbiamo fatto lì e cosa l'esperienza ci ha fatto."

L'acclamato documentario di Marcel Ophuls Le chagrin e la pitié (1971) affrontava in modo simile gli effetti bellici dei miti e dei pregiudizi nazionali giustapponendo interviste a funzionari governativi, soldati, contadini e genitori, scene di cinéma vérité, il fronte interno e nel Vietnam del Sud, clip di film ideologici sulla guerra fredda e orribili filmati d'archivio.

L'autrice Frances FitzGerald ha elogiato il documentario come

"Il film più commovente che abbia mai visto sul Vietnam, perché, per la prima volta, la telecamera si sofferma sui volti dei vietnamiti e si sentono le loro voci".

L'autore David Halberstam ha detto che

"Cattura brillantemente... il razzismo nascosto e inconscio della guerra."

Shining (1980)

L'interpretazione del regista Stanley Kubrick del terrificante romanzo di Stephen King è cresciuta in stima negli anni.

Il film è inventivo nello stile visivo, nel simbolismo e nella narrativa come solo un film di Kubrick può essere.

Lungo ma a più livelli, The Shining contiene straordinari effetti visivi: fiumi di sangue che scendono lungo corridoi deserti dell'hotel, inquietanti labirinti innevati e due misteriose gemelle - con le iconiche performance di Jack Nicholson e Shelley Duvall.

Hair Piece: A Film for Nappy-Headed People (1984)

Hair Piece è un cortometraggio animato penetrante e divertente che esamina i problemi che le donne afro-americane hanno con i loro capelli.

Generalmente considerata la prima animatrice di colore, la regista Ayoka Chenzira è stata una figura chiave nello sviluppo dei registi afro-americani negli anni '80 attraverso i suoi film e ha lavorato per ampliare le opportunità per gli altri.

Scrivendo sul New York Times, il critico Janet Maslin ha lodato questo film eccentrico.

Nota che il narratore

"Racconta tutto, dalla difficoltà di tenere una parrucca dritta al modo in cui Vaseline potrebbe fare i capelli di una donna",
sembra il protagonista de La Mosca che dice "Aiutami!"

Dentro la Notizia (1987)

James L. Brooks ha scritto, prodotto e diretto questa commedia ambientata nel mondo frenetico e tumultuoso delle notizie televisive.

Girato per lo più in decine di luoghi nei dintorni dell'area di Washington D.C., il film vede la partecipazione di Holly Hunter, William Hurt e Albert Brooks.

Brooks sfrutta al massimo il suo personaggio interpretando il romantico piano di riserva di Holly Hunter mentre è impegnata a inseguire l'affascinante ma vacuo Hurt.

Sullo sfondo del giornalismo radiotelevisivo (e i vari dibattiti sull'etica dei giornalisti), una commedia romantica adulta in una storia intelligente, esperta e senza sprechi, il cui umorismo è eguagliato solo dalla sua onestà.

Jurassic Park (1993)

Il concetto di esseri umani in qualche modo esistenti nell'era dei dinosauri (o dinosauri in qualche modo esistenti nell'età degli esseri umani) è stato esplorato più volte in film e in televisione.

Nessun trattamento, tuttavia, è mai stato fatto con più abilità, entusiasmo o eccitazione popcornesca di questo blockbuster del 1993.

Ambientato su un'isola sperduta dove un uomo che gioca con l'evoluzione deve affrontare quando questa va fuori controllo, questo classico di Steven Spielberg è l'epitome del film campione d'incassi estivo.

Jurassic Park è stato il film con il più alto numero di voti dal pubblico di quest'anno.

La Baia di Eva (1997)

Scritto e diretto da Kasi Lemmons e co-prodotto dal co-protagonista Samuel L. Jackson, Eve's Bayou si è rivelato una delle sorprese indie degli anni '90.

Il film narra la storia di una ragazzina afroamericana di 10 anni che, durante una lunga e calda estate nella Louisiana del 1962, scopre alcune dure verità sotto la fragile facciata della sua famiglia educata.

Il cast del film include il citato Jackson, Lynn Whitfield, Debbi Morgan, Diahann Carroll, Lisa Nicole Carson, Branford Marsalis e lo straordinario Jurnee Smollett, che interpreta il ruolo principale.

Smoke Signals (1998)

I registi nativi americani sono una rarità a Hollywood.

Dopo i primi pionieri del cinema muto James Young Deer e Edwin Carewe, il ritratto dei nativi americani nel cinema divenne oscuro e stereotipato.

Queste tendenze sociali hanno iniziato a cambiare con le immagini in movimento, come l'innovativo Smoke Signals, generalmente considerato il primo lungometraggio scritto, diretto e prodotto dai nativi americani.

Il regista Chris Eyre usa il concetto di road-movie per uno sguardo divertente e senza pretese sui nativi americani nel cinema e nella cultura della nazione.

Il cast prevalentemente nativo americano vede Adam Beach ed Evan Adams come i due guerrieri della strada che si trovano in un'avventura esilarante.

Sotto la facciata molto divertente, il film ha fatto conoscere al pubblico non nativo americano una vera e propria visione della cultura degli indigeni americani.

Sherman Alexie ha scritto la sceneggiatura arguta e spiritosa basata sul suo libro "The Lone Ranger e Tonto Fistfight in Heaven".

Il film Miramax è stato un grande successo nel circuito dei film indipendenti e ha vinto numerosi premi, tra cui un premio al Sundance.

I Segreti di Brokeback Mountain (2005)

Brokeback Mountain, un dramma occidentale contemporaneo che ha vinto l'Oscar per la migliore sceneggiatura (di Larry McMurtry e Diana Ossana) e il Golden Globe com Miglior Film Drammatico, Miglior Regista (Ang Lee) e Miglior Sceneggiatura, descrive una relazione segreta e tragica tra due cowboy omosessuali.

Annie Proulx, l'autrice vincitrice del racconto premio Pulitzer su cui si basa il film, l'ha descritta come

"Una storia di distruttiva omofobia rurale".

Inquietante nella sua rappresentazione non sentimentale di desiderio, solitudine, finzione, repressione sessuale e, infine, amore, Brokeback Mountain presenta la straordinaria performance di Heath Ledger che mostra un'esistenza auto-tormentata, un modo di parlare quasi inarticolato e dei movimenti angosciosi e angusti.

Nella sua recensione, David Ansen di Newsweek sostenne che il film fu

"Uno spartiacque nei film tradizionali, la prima storia d'amore gay con stelle hollywoodiane di alto livello."